杨震何鹰张翀硕:演出场地升级的背后,如何打造城市文化地标?

小鹿角编辑部  | 音乐财经CMBN |  2020-12-09 13:36 点击:
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2020因为疫情变得极其特殊,上半年受疫情倒退,整个演出行业转战线上。对于传统剧院来…

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2020因为疫情变得极其特殊,上半年受疫情倒逼,整个演出行业转战线上。对于传统剧院来说,投资成本重、单一化的盈利模式面临“黑天鹅”事件时,全球剧院面临着财务危机,纷纷关停、解聘乐团、裁员高管。

对于国内大多主流剧院来说,有着国家财政支持,生存问题虽然相对没有那么棘手。但演出大规模取消、延期再延期不是办法,核心是线下演出体验的音乐空间该怎么办?

剧院与Livehouse看似是两个在完全不同音乐体系和市场下的音乐空间,但其共通点在于,承担着提振当地音乐消费、保证观众体验,进一步实现音乐内容推广、培育受众、甚至是原创音乐内容孵化的职能。大、小型剧院以及Livehouse等,共同构成了一座城市的文化气质。

线上演出付费、直播带货剧院文创产品、整合剧院过往优秀内容……是国内剧院在疫情期间的应对之措,也是今年做出的新尝试。Livehouse也与平台合作,开启探索线上直播的商业出口。

无论是在容纳观众规模不等的剧院和场馆,还是主要承载独立音乐演出的Livehouse,现场演出的体验与线上完全不同,当与舞台面对面,到面对着电视、手机屏幕,现场演出需要通过视听语言进行过滤。用新的手段和技术进行传播,这样的转变,也让管理者们的思路有了进一步的开拓。

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在2020大湾区现代音乐产业论坛中,我们与广州大剧院总经理何鹰、星海音乐厅副主任/首席录音师杨震、摩登天空副总裁张翀硕,以及本次论坛的主持人,小鹿角APP&音乐财经创始人董露茜,关于“城市文化地标:线下演绎空间的运营升级”这一话题进行了探讨。

01 疫情下,剧院的直播新尝试

2019年,星海音乐厅和广州大剧院在演出上都近乎做到了几年来的巅峰状态,这两个广州最主流的场馆为城市贡献了超过约1000场的线下演出,这在去年是非常亮眼的数字。去年底,同一座城市的两家剧院还联手策划了贝多芬250周年的大全辑,计划以数十场演出的规模,于今年呈现贝多芬的各种经典作品。

“当时我们两家非常高兴,觉得这个项目恐怕如果今天能做,就是世界上最好的演出项目。”星海音乐厅副主任杨震在论坛上感慨道。

突如其来的疫情,使得项目无奈作罢。作为一直致力于线下体验的场馆运营管理者,杨震表示“有点措手不及,线下不能演了,而且一停就是半年”。

广州大剧院从2月份开始,做起了分享会、直播带货等小规模活动,将过往的演出节目视频放到线上展示。除此之外,广州大剧院还联合“腾讯艺术“于4月5、6日推出中国首部线上戏剧《等待戈多》:从策划到演员选拔、舞美制作各个方面,直到最后演出呈现结束,演员和导演、服化道都没有见过面,所有环节均在线上完成。

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△何鹰

“我觉得这是非常有意义的,因为这不是简单地把线下演出搬运至线上。”广州大剧院总经理何鹰向小鹿角·音乐财经说道。

5月份,广州大剧院迎来十周年庆,邀请了全球150余名艺术家参加,进行了一场持续10个小时的线上直播,内容分别从歌剧、音乐会、戏剧、舞蹈多个板块进行,包括录播节目和现场表演。场地涉及到广州粤剧院、广东省木偶剧团、广东现代舞团、广州歌舞剧院、广州杂技团、鳟鱼歌剧团,以及“分会场”北京天桥艺术中心。这场直播,最终实现了1.3亿点击率。

星海音乐厅疫情后的首演在6月5日开启,“其实‘体验’两个字非常重要。我们一直以来打造的就是线下体验,现在无非是说线下体验这条路被限制住了,那我们下一步是如何做好线上体验,如何把我们擅长的一些事情,用另一种传播方式传播出去。”杨震表示。   

媒介即信息,若以视频的形式,单纯将现场舞台的演出内容通过屏幕呈现,生硬的格式转换必然会导致信息的损失和扭曲。线下的“临场感”到了线上,常使得习惯了快节奏剪辑的观众感到“无趣”和“不耐烦”。试图以镜头充当观众的眼睛,仅仅以不变的视角和焦点摄取一个个时间与空间的截面,反倒凸显了视频内容对现实场景的压缩和观众的“不在场”。

因此,线上内容的呈现必须适应其所依附的形式和载体。

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△星海音乐厅

星海音乐厅的舞台有300多平米,观众坐在现场看舞台,和通过一个手机屏幕、或电视看,其实区别非常大,这是两种传播手段。杨震说,“我们不能直接把手机这么摆着,把舞台一拍一播就完了。我个人的观点是,如果这样做,对于场馆经营者来说相当于自杀。几十年都在打造线下体验,结果现在变成用一个手机屏幕看现场,请问怎么能看到现场得好呢?”

云演出、线上演出其实在广播电视时代已经存在,但对于绝大多数剧院来说的痛点在于,如何运用技术、如何运营视听语言去讲故事?这一点对于他们来说是全新领域。

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杨震

有录音师的背景,杨震认为线上直播还有很多需要学习的事情,对于线上演出比较慎重。星海音乐厅一贯重视自己的声场效果展示,于是便采取了预录的方式,按照做唱片、按照发行标准去制作,放在线上进行展示。同时,在公众号上策划了系列知识、干货类的课程,在线上集合星海音乐厅20年来的优质录音、录像,展示给受众们。

02 剧院升级加强观众体验,文化地标如何打造?

随着5G加速落地,沉浸式技术在演艺行业中的不断升级,音乐演出与流媒体平台合作、在虚拟游戏中进行付费直播,也成为了全球趋势。

当线上演出仍无法与线下的收入匹敌时,技术升级则成为了未来的方向,全行业都在进行着探索。

在杨震看来,通过技术的加持,打通线上和线下的消费场景,是音乐演出可期的前景,也是行业发展的必然。除却VR、AR、XR这些热门概念,环绕声录音、杜比ATMOS等技术有望实现线下演出声场在线上的高度还原。而广州大剧院也在9月份与华为技术公司签约合作,计划共同打造“5G智慧剧院”,希望利用后者的5G现代化技术,提供差异化的线上体验。

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△广州大剧院与华为签约

随后杨震也提出了自己的反思与担忧,表示线上场景的建设绝不只是将内容扔到网络上去就大功告成了。“很大一块是要先解决线下的事,我们的剧院通过现在的数字技术怎么能够在线下提升体验?这是非常重要的。在此基础上,或许将来这些技术会反过来推动线上演出和线下结合的东西。”

张翀硕则认为“线上演出”只是线下的暂时性替代选项,其并非真正的“演出”,而是“电视节目”。他设想,基于未来的技术进步,线上的内容应当往超现实的方向发展,不管是在声音、视觉还是体感上,提供在现实中无法获取的体验。

张翀硕之所以做出这样的判断,是基于他对现场演出场景的深入了解。

他认为,现场演出的感染力、仪式感、纯净感是无法脱离真实的场地空间而存在的,而线上的形式恰恰失去了“空间”这一维度,使得“线上演出”成为了伪命题。而场馆作为承载演出内容的容器,吸纳了其所处环境的养分,深入城市生活的内部肌理,在不同的土壤之上生长出异质的样貌,并与周边辐射的消费链条勾连,形成独特的文化地标。

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△张翀硕

“我不敢想象如果没有了场馆,没有了这些现场内容,所有人都在线上去消费或者体验这个东西的时候,无论是从精神层面还是从消费层面,可能都没有什么想象力了。”

在张翀硕眼中,文化地标不应仅是被符号化的建筑物,除了拉动消费,场馆内部发生的演出、事件,也在不断加深其上所附着的历史及文化内涵,塑造着人们的集体记忆。随着时间的累积,一个场地空间承载了越来越多的民众期许和精神寄托,并生发出多样的文化活动,才能称之为真正有着“厚重灵魂”的文化地标。

“作为剧院剧场来说,把线下的事做好是永远在路上的事”,杨震对张翀硕的发言表示赞同,“中国的场馆现在线下还没有做到最好,任何在线上创造的超现实的东西,必须建立在把现实反映得比较好的基础上。”

何鹰也表示,广州大剧院一直比较注重观众的体验,并在这方面逐步做出改进。此前剧场对建筑有版权保护,拍照需要收费,但是后来逐渐放开,现在剧院周边的人气非常旺。而与华为合作的“5G智慧剧院“,也试图在剧院内部的参观、会员管理、售票等各个方面,结合一些现代化的技术改善观众的体验。

而在场馆的实际运营操作层面,张翀硕以Livehouse为例分享了自己的经验。

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△Modernsky Lab上海举办的柑橘音乐节

“其实Livehouse最基本的就是两个要素,硬件和软件。硬件其实就是空间的构造和声学设备,软件的话核心是技术团队,随后是演出的服务团队,还有to C的运营团队。” 张翀硕表示软件方面的标准化对于呈现一场质量稳定的演出有着至关重要的作用,准确量化软件部分的效能,可以更好地满足观众的体验,同时也能让运营者对自身的工作质量有一个相对客观的认知。

在用户体验方面,Lab在一场演出结束之后,会通过一个小程序让不同的艺人或者主办方对服务他们的工作人员进行评价,包括演出统筹、舞台助理、调音师、灯光师、音响师。每一场演出的评价关系到所有相关工作人员当月的绩效收入,这一点实现了员工的收入与工作质量挂钩。

而形成这样的量化标准,靠的是大量的实地经验。张翀硕表示,从2017年到2019年,全面参与从运营、技术到营销各个方面的实践,并摸清其中的门道,来来回回花了近三年时间。Livehouse虽然在体量上不及大型剧院和演出场馆,但其对于推广独立音乐人、培养本土音乐消费群体仍有着不容小觑的作用,真正去运营一家Livehouse并形成标准化的流程也绝非易事。

据张翀硕表示,摩登天空有一套标准化的拓店流程。Livehouse的选址城市,所处区位的物业条件一周边配套设施,种种条件都需经过审核过滤,并计算与之匹配的投资成本及回收周期。而在这套标准化的模型之上,更重要的是选择,在内容层面上去估评什么样的演出值得被推广。

“内容再往上走,实际上就是内容的共创,IP化。”张翀硕在最后表达了对现场音乐内容搭建方式的预想。

以“共创”的形式,用IP化的演出季、IP化的Party,跟艺人和Livehouse所在城市的在地厂牌、内容组织连结在一起,摆脱由主办方决定演出内容的单一模式,让场地变成一个共创的空间,而不仅是一个简单的剧场、流水化的演出,或许能让Livehouse爆发出更多的生命力。

在论坛的最后环节,站在20年代的起点,展望未来十年,嘉宾对演艺行业的发展充满了信心。国内的线下音乐空间仍然在蓬勃发展。就像杨震说的那样,也许未来有各种技术的加持,线上与线下可以并行,这就意味着,音乐内容的传播、音乐版权、线下音乐空间的发展,以及艺人经纪等,全产业链的人都将加入这样的变革中,共同去创造全新更大的市场。

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